miércoles, 28 de septiembre de 2011

Trailer de la Semana: [REC]3: Génesis



Esta semana os presentamos el nuevo trailer de la tercera película de la saga de terror española más famosa de todas: [REC].

Con este corto y reservado trailer se nos presenta una boda de lo más idílica hasta que todos los invitados se transforman en nada más y nada menos que... ¿zombies?.

Se trata de un buen trailer que deja la miel en los labios y que, probablemente, sea el anticipo de una película del nivel de la primera parte que ofrecerá muchos sustos y, quizás, terror en estado puro (esperemos que Paco Plaza sepa mantener la calidad sin la colaboración de Balagueró). Ahí lo dejamos.

lunes, 26 de septiembre de 2011

Lunes Criticón: Eva Al Desnudo

Sabemos que en nuestros anuncios de la columna derecha del blog, os informábamos de que la próxima película que analizaríamos sería Ciudadano Kane. Sin embargo, debido a un pequeño incidente con nuestro querido amigo/enemigo "el tiempo", nos hemos deleitado viendo otro clásico de cine: Eva al Desnudo.

● Año: 1950.
● Director: Joseph L. Mankiewicz.
● Cast: Bette Davis, Anne Baxter, Gary Merrill, George Sanders, Hugh Marlowe, Celeste Holm, Thelma Ritter.
● Música: Alfred Newman.
● Nominación Oscar (14): Mejor Película (Ganadora), Mejor Director (Ganador), Mejor Actriz (Anne Baxter y Bette Davis), Mejor actor de reparto George Sanders (Ganador), Mejor Actriz de Reparto Thelma Ritter y Celeste Holm, Mejor Guión Adaptado (Ganador), Mejor Sonido (Ganador), Mejor Montaje, Mejor decoración, Mejor Música, Mejor Vestuario.
● Duración: 138min.

Mucha gente solía preguntarme que cómo era posible que a pesar de ser un cinéfilo tan entusiasta, no viese películas de antaño: películas clasificadas como “Clásicos del Cine”. Pues bien, la respuesta es: "no lo sé". Más de una vez he visto alguna película de esas llamadas clasicazos pero no es algo que suela hacer. No por nada en concreto, sino porque simplemente prefiero estar centrado en el “hoy” cinematográfico y no en el “ayer”.

Sin embargo, me he dado cuenta de que es importante conocer los orígenes del cine, o los “años de oro” del mismo. Por eso, me embarqué en una película que había visto hace ya tiempo, que me gustó pero de la que no recordaba gran cosa (no porque no me gustase, sino porque era muy joven cuando la vi): Eva Al Desnudo.


[Atención: trama de la película, quizás contenga algún SPOILER]

Esta película nos cuenta la historia de la jovencísima Eva, una chica (no es una mujer, es una “chica”) que con toda su buena intención entra en la vida de la famosísima actriz de teatro Margo (una Bette Davis tan increíble como siempre). Sin embargo, lo que parecía ser una joven e indefensa chica, o más bien dicho, “corderito”, resulta ser una ambiciosa y egoísta joven que pretende alcanzar sea como sea la fama.

[Fin SPOILERS]


La película, que recibió una cantidad considerable de seis Premios de la Academia (por no hablar de las nominaciones) es una película intensa, de diálogos tremendamente inteligentes con comentarios más que ingeniosos, actuaciones con estilo y belleza y con una música excelente que viene de la mano de Alfred Newman (sí, familiar de Thomas Newman o Randy Newman).

Además, podemos ver en ella una dura autocrítica del mundo del espectáculo, algo que nos encanta como muchos de vosotros ya sabréis. Y es que, aunque la cinta se centra en el mundo teatral (que, por cierto, describe a la perfección), las referencias al mundo del cine son constantes: “los de Hollywood por aquí, los de Hollywood por allá". Y a pesar de esa ambientación extra-Hollywoodiense, nuestros personajes (un elenco de grandísimas actuaciones que desprenden semejante calidad que resultan tremendamente hipnotizantes) se ven sometidos a conflictos que, segurísimo, también se darán en el mundo de la alfombra roja: envidias, fama, superficialidad, amistades peligrosas, ambición, juegos sucios, avaricia…

Como hemos dicho, las actuaciones resultan exquisitas. No me considero un sabio o erudito del cine clásico, pero sé reconocer una buena actuación y esta película tiene más de una (resultado de ello son las múltiples nominaciones a los Óscar del reparto): Anne Baxter borda a una inocente Eva que posteriormente deja asomar su ambiciosa verdadera cara, Bette Davis hace uno de esos papeles que resultan tan convincentes que nos hacen creer que estamos viendo una crónica de su verdadera vida, mientras que los secundarios dan vida a unos excelentes personajes, siempre manteniendo una elegancia y belleza sobresaliente.

La forma en la que este guión, sacado de una novela, es tratado es absolutamente increíble. Desde el momento número uno, nos hacemos una idea de lo que va a ocurrir (por la introducción del filme, las reacciones de los personajes ante lo que sucede en los primeros minutos…) pero no nos queremos hacer a la idea y no paramos de preguntarnos cómo narices llegará a pasar lo que hemos contemplado. Finalmente, con esa apabullante y satisfactoria conclusión, terminamos de ver un filme que querremos volver a ver sin dudarlo ni un segundo.

En definitiva, si te gustan los clásicos de cine, el drama y las historias con personajes convincentes y con personalidades notables, no dejes de ver este filme. Te verás tremendamente hipnotizado por los diálogos, la belleza y arte con el que se desenvuelven los actores, la buena música y un ambiente de celebridades que te mostrará la verdadera cara de un mundo que para el público es magnífico pero que para sus integrantes puede resultar autodestructivo.


Jerry.

Domingo Criticón: Transformers

Sabemos que prometimos una próxima crítica de cine clásico, en concreto de Ciudadano Kane, pero debido a una serie de contratiempos no hemos sido capaces de hacerla y aún habrá que esperar. Sin embargo, os traemos una crítica de una película que originó una de las sagas más famosas de cine de acción del momento: Transformers.

● Año: 2007.
● Director: Michael Bay.
● Cast: Shia Labeouf, John Turturro, Josh Duhamel, Tyrese Gibson, Megan Fox, Peter Cullen, Hugo Weaving, Mark Ryan, Jon Voigt.
● Música: Steve Jablonsky.
● Nominación Oscar: Mejor Sonido, Mejor edición de sonido, Mejores Efectos Visuales.
● Duración: 143min.

El hecho de que hayamos cambiado a Ciudadano Kane por Transformers no se debe a nada en concreto ya que, como muchos supondréis, la calidad de un filme y de otro difiere más aún que las tramas de las mismas. A pesar de ello, y sin juzgar la calidad de la moderna guerra robótica de Michael Bay, esta película se ha convertido en un gancho terriblemente rentable para el cine americano, porque si Transformers es algo en concreto, es un blockbuster.

Basándose en la franquicia de los juguetes llamados Transformers (Hasbro), que ya inspiraron en 1984 a una serie de televisión,  Michael Bay lleva a la gran pantalla esta película  que ha contado con el apoyo como productor del poderoso Steven Spielberg. Y es que si Spielberg hay algo que no se pierde, eso es una película con extraterrestres de por medio (y si son robots que se transforman en coches, casi que mejor.

En esta innovadora película, el planeta tierra se encuentra amenazado por una guerra ajena a la raza humana pero que tiene como epicentro del campo de batalla su propia superficie. Este enfrentamiento extraterrestre se ve protagonizado por unos robots alucinantes (autobots y decepticons) provenientes del espacio que buscan la llamada Chispa de la vida y, como a los humanos nos encanta tener nuestra mención en la historia universal, en esta guerra se ven involucrados dos adolescentes; Sam Witwicky (Shia LaBeouf) y Micaela Banes (Megan Fox).

Entre el reparto, destacamos al nuevo chico prodigio de Hollywood  que impulsó su carrera notablemente apareciendo en películas como Constantine, Disturbia y Yo Robot y que posteriormente protagonizaría películas como Indiana Jones IV o New York I Love You.

Por otra parte, la polémica Megan Fox comenzó a destacar en el mundo de la alfombra roja gracias a esta película ya que sus anteriores papeles no habían sido del todo relevantes; aunque los posteriores tampoco.


La película en sí es puro entretenimiento; si buscáis acción, una protagonista femenina explosiva y un guión poco trabajado pero que no defraudará a casi ningún adolescente, no dudéis ni un segundo en verla. Además la película tiene ciertos toques de humor tonto y, gracias a ello (además de a la acción trepidante anteriormente mencionada), los 140 minutos de película se te hacen amenos y para nada pesados.

Por otra parte, el filme es un soberbio espectáculo: las transformaciones de los Transformers son impresionantes (pueden convertirse en increíbles deportivos, cazas, tanques…) y más aún al verse acompañadas de piruetas, explosiones y todo ese tipo de paja audiovisual que se nos mete en los blockbusters de acción.

En cuanto a la banda sonora, que corrió al cargo de Steve Jablonsky (cuyo mentor fue el famosísimo Hans Zimmer), se ajusta mucho a las escenas de acción pero tampoco resulta brillante. Uno recordará la melodía, pero sin más.

Esta película costó unos 150 millones de dólares, batió el récord de entradas vendidas en la semana del estreno y más tarde se hicieron dos secuelas. Parece un exitazo, ¿no?. Sin embargo, mejor no sometemos a crítica a sus dos secuelas porque lo único relevante de las mismas son unos efectos visuales que ya no resultan innovadores, unos personajes que no saben dónde se dirigen y una dirección que resulta ya pobre. A Bay se le fue de las manos. Esperemos que no nos ofrezca un producto más de la saga porque, de ser así, los Transformers abandonarán la alfombra roja dejándonos ya no un sabor agridulce en nuestras bocas, sino un sabor metálico y sobre todo amargo. 


Jerry.

miércoles, 21 de septiembre de 2011

Trailer de la Semana: J. Edgar

El cine de Clint Eastwood vuelve a las salas con este filme que nos ofrece un acercamiento a la vida de J. Edgar Hoover, el primer director del FBI.

Con un aspecto muy similar a muchos de sus otros filmes (ese tono grisáceo en las imágenes es inconfundible), Clint nos traerá, seguro, una nueva entrega del mejor cine de Hollywood. 

Pese a su edad (ya tiene 81 años), el director sigue haciendo películas que se encontrarán siempre entre las grandes. Por si no prometiese lo suficiente, cabe mencionar que el filme cuenta con un reparto que promete: Leonardo DiCaprio, Naomi Watts y Judi Dench, entre otros.

¿Os la vais a perder?



martes, 20 de septiembre de 2011

FRINGE


Cuando JJ Abrams creó Lost, no había hecho su única obra de arte. Como ya todos sabremos, también creó la magistral película Super 8 y, además, una serie que trajo consigo una renovación y vuelta de tuerca a las series de misterio y ciencia ficción: FRINGE.

Creador: J.J. Abrams, Roberto Oci, Alex Kurtzman.
Género: Misterio, Ciencia ficción.
Reparto: Anna Torv, Joshua Jackson, John Noble, Lance Reddick, Kirk Acevedo, Blair Brown, Jasika Nicole.
Duración: 65 Episodios, 3 Temporadas (2008-presente).
País de Origen: EEUU.

Hasta ahora contábamos con series como Smallville (más bien enfocada hacia público pre-adolescente), Héroes (que comenzó pisando fuerte y terminó siendo un desastre) o Supernatural (no del todo efectiva a pesar de sus múltiples temporadas): todas ellas series muy famosas que, sin embargo, basan el interés del público en los superpoderes de sus personajes (algo que, desgraciadamente, termina siendo aburrido: para eso veo / leo X-Men).

Sin embargo, JJ Abrams, Alex Kurtzman y Roberto Oci idearon una serie que iba más allá de superhéroes y que, en cierto modo,  nos puede recordar a Expediente X. Sin embargo, a pesar de las semejanzas que mucha gente pueda encontrarle, es notablemente innovadora y, además, no se centra en ningún momento en la vida extraterrestre (algo clave en Expediente X).

Trama

Fringe cuenta la historia de un departamento del FBI, integrado por un reducido número de agentes, que se dedica al estudio de fenómenos imposibles, paranormales o, simplemente, muy raros. No os queremos comentar qué tipo de fenómenos se dan en la serie porque, para nosotros, eso es una parte importante de la grandeza de la misma y, por ello, el factor sorpresa es fundamental.

Este departamento surge en la primera temporada, cuando una atractiva agente llamada Olivia Dunham es reclutada, junto con otra agente (Astrid), por uno de sus superiores (Broyles) para fundarlo. Para ello, deben además contar con la ayuda del Doctor Walter Bishop, un científico cuyo pasado guarda las claves para muchos de los misterios calificados como “El Patrón” (The Pattern). Además, Peter Bishop se incluirá en el elenco de agentes de Fringe: añadiendo por ello una mente terriblemente inteligente al grupo.



[alerta: posibles SPOILERS indeseados]

- Temporadas 1 y 2.
Durante las dos primeras temporadas, el equipo se tendrá que enfrentar a muchos sucesos que exceden los límites de la razón y que les pondrán a prueba en múltiples aspectos. Olivia Dunham resultará ser mucho más que una mera agente del FBI, la compañía Massive Dynamics se nos presentará como una misteriosa empresa con muchos armarios llenos de esqueletos, aprenderemos que Walter fue un científico sin principios que se dedicó a experimentar en niños… Y mucho más.

- Temporada 3.
Ya entrando en la tercera temporada, la trama se complica y se desata una guerra contra un Universo paralelo que fue iniciada muchos años atrás por el mismísimo Walter Bishop. Aprenderemos cosas del pasado de Peter que ocasionarán muchas fisuras entre nuestros personajes y, ya en el final de esta temporada, la serie tomará un giro de 180° que nos dejará anonadados y expectantes a la próxima y cuarta temporada.

[FIN alerta SPOILERS]


Personajes

Olivia Dunham [Anna Torv]
Olivia es una agente del FBI que, por orden de Broyles, debe comenzar a investigar una serie de sucesos incomprensibles y, para ello, debe reunir a un equipo especial que compondrá el departamento Fringe. Olivia cuenta con unas habilidades especiales (no superpoderes), que se nos irán revelando a lo largo de las tres temporadas. Es valiente e inteligente, pero le dan miedo la pérdida y el amor.




Peter Bishop [Joshua Jackson]
Hijo de Walter Bishop. Peter es un ingeniero extremadamente inteligente que, en cierto modo, sigue los pasos de su padre. Comenzará trabajando de forma extra-oficial en Fringe pero finalmente será reconocido como un agente del FBI en condiciones. Pronto se enamorará de Olivia, pero su relación sino imposible, es casi improbable.
 



Walter Bishop [John Noble]
El Dr. Bishop es un ya mayor científico que es sacado de un psiquiátrico por el FBI para que les ayude con ciertas investigaciones. Walter tiene un pasado muy oscuro, con muchos secretos y enigmas que se nos irán revelando poco a poco. Es gracioso, inquieto, asustadizo, inteligente y bastante excéntrico. Le encanta comer regaliz de fresa.



A este equipo se añadiría la presencia de Charlie Francis, agente del FBI y compañero leal de Olivia, Astrid Farnsworht, otra agente del FBI que se volverá inseparable a Walter, Broyles, el jefe de todos ellos, y Nina Sharp, la encargada de continuar el legado de un tal William Bell en la compañía Massive Dynamics.

Conclusión Personal
Fringe es una serie que, en definitiva, encantará a los amantes del género de ciencia ficción y a los no-tan-amantes les parecerá o aburrida o, simplemente, mala.

Sin embargo, esta serie es mucho más de lo que parece y, por el hecho de tratarse de una serie de eventos paranormales, no quiere decir que no vaya a aportar mucho más. Si esto es así se debe a que Fringe también describe de forma magistral relaciones interpersonales: ya sean con amigos, con algo más que amigos o con la familia.

La pareja de Peter y Walter es absolutamente magistral: las personalidades de ambos se combinan de tal forma que nos deleitan con momentos asombrosos, divertidos e incluso tiernos. Esto es así porque Walter, entre que está aterrorizado por perder a su hijo Peter y que tiene una personalidad de lo más excéntrica, no puede vivir por sí mismo y Peter, su hijo, tiene que controlar a su padre como si de su hijo se tratase. Irónico, ¿no?.

Por otra parte, Walter, que para nosotros es la estrella de la serie, también se desenvuelve de forma divertida con su compañera de laboratorio Astrid (aunque nunca la llame por su nombre) y forman una pareja muy eficiente en cuanto a trabajo en equipo en el laboratorio.

Además, Peter y Olivia tienen una relación que parece más profunda a una mera amistad pero que no llega a ser mucho más. Con el tiempo, estos personajes consiguen que queramos a toda costa que se atrevan a dar un paso más pero, entre unas cosas y otras, nuestros personajes se resisten y nuestra desesperación aumenta.

La historia empieza de forma en cierto modo ordinaria (a pesar de los extraordinarios eventos que suceden en la ciudad de Boston) pero, poco a poco, nuestras mentes deberán empezar a ampliar fronteras de lo ficticio porque la serie toma un camino peligroso en cuanto a lo que la audiencia espera. Sin embargo, a pesar de meterse en terrenos pantanosos, la serie consigue que todos estemos encantados con la trama.

La música de la serie, que corre a cargo de Chris Tilton, es sobresaliente: es una combinación perfecta entre melodías policiacas y de acción con música prototípica del género aunque, en todo momento no deja de ser original y tremendamente característica.

En definitiva, Fringe es una serie a la que hay que darle una oportunidad. Si te gusta el misterio, las series policiacas y la ciencia ficción, esta es tu serie. Si te gustó Lost o Expediente X, esta también es tu serie. Y si te gusta que los personajes de una serie sean el foco principal de la misma, que se desarrollen de forma sobresaliente y que aporten algo al espectador, esta sigue siendo tu serie. No os la perdáis.

Lo que MÁS nos gusta: lo innovadora que resulta. Además, el cuarteto protagonista tiene una química implacable, la presentación de la serie y la originalidad del guión emocionan, la banda sonora es sobresaliente y las actuaciones son de calidad.

Lo que MENOS nos gusta: el hecho de que la serie desafíe de forma casi exagerada las leyes de la física, química y, en definitiva, la naturaleza, suscitará muchas críticas del todo injustificadas. Con esta serie hay que estar preparado para cualquier cosa y tener la mente abierta y, desgraciadamente, eso para el espectador no es fácil.


Jerry.



lunes, 19 de septiembre de 2011

¿Existen los Rodajes Malditos? (II)


No contentos con el anterior artículo de “Rodajes Malditos”, os presentamos una nueva entrega. Esta vez para hablar de Terry Guilliam, un supuesto “director maldito” (no “maldito director”) y una película que está en desarrollo pero que, desgraciadamente, sufre un mal de ojo (y nunca mejor dicho; hablamos de El Hobbit, un proyecto que parece estar siendo afectado por el Ojo de Sauron).

Director Maldito Nº1: Terry Guilliam.


Nuestro querido Guilliam (al que conocemos por Tideland y 12 Monos, entre otras) es uno de esos directores que ha visto más de un proyecto afectado por una supuesta mala suerte que hace que situaciones adversas no permitan el rodaje de ciertas escenas, que sus actores terminen lesionados y por ello inhabilitados para desempeñar su trabajo, que sus actores mueran antes de terminar el rodaje…

Cabría mencionar que casi todo proyecto de este curioso director padeció algún tipo de contratiempo o disputa que llevaron a que no se terminase el proyecto, estrenos tardíos o estrenos de versiones de la película no aprobadas por el director. Sin embargo, nos vamos a limitar a hablaros de dos casos que nos parecen los más interesantes…



The Man who Killed Don Quixote (2000).

Sí. Guilliam quería hacer su propia versión del español Don Quijote, una película que habría sido la producción europea más ambiciosa hasta el momento. Sin embargo, por unas cosas o por otras, el proyecto nunca vio la luz. ¿Por qué? Pues porque Terry tuvo muy mala suerte:

- El rodaje comenzó en el año 2000 y la primera localización del rodaje fue una zona al norte de Madrid, cerca de una base militar. Debido a que muchos aviones militares cruzaban el cielo español de toma en toma, el audio de lo que habían rodado quedó totalmente arruinado  y eso habría obligado a un re-doblaje en post-producción que probablemente habría disparado el presupuesto.

- El segundo día de doblaje se vio afectado por una repentina inundación que hizo que gran parte del material de rodaje se estropease. Además, como consecuencia de la misma, las colinas que querían utilizar quedaron teñidas de otro color, haciendo por ello lo rodado el día anterior inservible.

- Jean Rochefort, que pasó siete meses estudiando inglés para poder interpretar a Don Quijote, fue diagnosticado de doble hernia discal y, ante eso, no podría montar en caballo (algo clave para su papel). El equipo pretendió entonces rodar escenas en las que el protagonista no apareciese. Sin embargo, en poco tiempo se dieron cuenta de que Rochefort no podría volver y, ante eso, Guilliam decidió que el proyecto no iba a ninguna parte porque había estado casi dos años buscando los miembros del reparto y no iba a volver a hacerlo.

El Imaginario del Doctor Parnassus (2009).


El Imaginario del Doctor Parnassus es un filme ante todo original e innovador, agridulce y oscuro, y un cuasi-milagro que trata de cómo un anciano “mago” con una cantidad inmensa de años a sus espaldas, quiere demostrarle a su archi-enemigo (el mismísimo demonio) que las historias, los cuentos, y la imaginación no desaparecerán nunca del mundo. Ni siquiera en la edad moderna. Para ello, el anciano recorre diferentes ciudades invitando a la población a entrar en su Imaginario, un lugar en el que uno ve sus sueños hechos realidad, para ganar “su alma”. El demonio, sin embargo, querrá impedírselo.


Esta mágica película sí que terminó viendo la luz a pesar del grandísimo contratiempo al que tuvo que enfrentarse: la muerte de uno de sus protagonistas. No muchos directores habrían sido capaces de encontrar el modo de terminar una película sin uno de sus principales personajes: pero Terry sí.



Os preguntaréis de quién estamos hablando. Pues bien, no es ni más ni menos que Heath Ledger, aquel Joker que consiguió ponernos los pelos de punta.


A pesar de esta grandísima pérdida, Terry Guilliam supo compaginar lo que había rodado con lo que faltaba por rodar. ¿Cómo? Pues bien:

Cada vez que el personaje de Ledger entraba en el Imaginario, su aspecto cambiaba y eso daba paso a que el actor fuese sustituido por otros muchos, tales como: Johnny Depp, Colin Farrell y Jude Law.


A lo mejor no os parece una brillante forma de hacerlo pero, si veis la película, apreciaréis que en realidad es una solución perfecta.  Os dejamos el tráiler, por si os llama la atención la película.


En definitiva, no sabemos si lo que rodea a este hombre es una maldición o simplemente mala suerte aunque, en realidad, ¿qué diferencia hay?

Rodaje Maldito Nº3: El Hobbit (2012)
El Hobbit es probablemente una de las películas más esperadas del próximo año. Sin embargo, lo que muy poca gente sabe, es la cantidad de contratiempos que está sufriendo… Parece que la Tierra Media quiere descansar tranquila después de los tres maravillosos filmes acerca de La Comunidad del Anillo. Esperemos que eso no se deba a que El Hobbit, que estará dividido en dos películas, no estará a la altura…


Para empezar, como muchos de vosotros sabréis, Peter Jackson tuvo una discusión grande con la productora New Line Cinema  y, por ello, sería un viejo conocido el que se encargaría del proyecto mediano: Guillermo del Toro, al que conoceremos por, entre otras, El Laberinto del Fauno y Hellboy (I y II).

Sin embargo, un año después, ocurrió el primer contratiempo: Guillermo del Toro se salió de su rol en la realización del filme, en principio debido a la quiebra de Metro Goldwyn Mayer (que afectaba a alguno de sus múltiples proyectos).

Ante esto, fueron considerados como sus sucesores Neil Blompkamp (Distrito 9) o David Yates (Harry Potter) pero finalmente fue Jackson quien tomó las riendas de nuevo (y muchos de nosotros exclamamos un gran “¡Viva!” ante tal noticia).


Pero a Jackson las cosas no le iban a resultar fáciles. El sindicato neozelandés Media, Entertainmente & Arts Alliance (MEAA) instó a los actores del país a que no participasen en el proyecto debido a que no estaban de acuerdo con las condiciones laborales y los salarios. La única solución que se le planteó a Peter fue la de llevarse el rodaje a otro lugar del mundo: Europa del Este. Sin embargo, tras arduos días de espera (por nuestra parte, ya que temíamos la cancelación de la película), se realizaron una serie de negociaciones que garantizaron la paz entre la película y el sindicato.

A pesar de todo, poco después de empezar el rodaje, uno de los sets de rodaje se vio acosado por un incendio descomunal que destruyó gran parte de decorados, taller de efectos especiales…

“Nada puede ir a peor” – pensaréis – “primero el director se va del proyecto, luego el sindicato amenaza la estabilidad del rodaje, el set se incendia… ya no le va a pasar nada a la película”. Pues no os creáis: Peter Jackson entonces sufrió una grave úlcera de estómago que provocó, de nuevo, un retraso en la fecha de rodaje de nuestro cuasi-imposible El Hobbit.

A pesar de todo, hasta el momento El Hobbit goza de buena salud y estabilidad. El reparto ya está establecido, el rodaje va viento en popa y el director está de nuevo con su estómago en condiciones. Recemos para que no ocurran más desgracias: El Hobbit es un filme que sí o sí tiene que ver la luz de las salas de cine. Os mantendremos informados.

Jerry.

viernes, 16 de septiembre de 2011

Viernes Criticón: Buscando a Nemo

Tras un caluroso verano no podíamos dejar de incluir una de las más refrescantes películas de animación de todos los tiempos: Buscando a Nemo. Además, nunca antes habíamos hecho una crítica de una película de animación así que… allá vamos.

● Año: 2003.
● Director: Andrew Stanton, Lee Unkrich.
● Cast: Animación.
● Música: Thomas Newman.
● Nominación Oscar: Mejor Película de Animación (ganador), Mejor Guión original, Mejor Banda Sonora, Mejor Sonido.
● Duración: 92min.

Desde que Buscando a Nemo empieza, todos nos damos cuenta de que no va a ser un filme cualquiera de animación. Su colorido, su increíble doblaje (sí, el doblaje es magnífico) y su banda sonora hacen que, desde un principio, nos metamos de fondo en un océano pixariano de lo más asombroso. Ya una vez vamos viendo el desarrollo de la historia, se hace realidad lo que sospechábamos: estamos ante un fenómeno de dimensiones épicas.




El guión de la película, aparte de ser innovador, es de los mejores trabajos de Pixar hasta el momento. Y es que Buscando a Nemo trata acerca de cómo un pez payaso llamado Marlyn tiene que recorrerse medio océano para recuperar a su hijo Nemo, capturado por un buceador y llevado a Sidney (concretamente a  la dirección: P. Sherman, Calle Wallaby Nº42, Sidney). Durante este asombroso viaje, Marlyn se encontrará con una cantidad infinita de personajes divertidos, aterradores y, claro está, acuáticos que ayudarán a que su campaña sea un torbellino de anécdotas y situaciones de lo más pintorescas y emocionantes. ¿Llegarán Marlyn a tiempo a Sidney para rescatar a su hijo Nemo?


Como ya íbamos adelantando, los personajes que se nos presentan en la película son increíbles: desde Marlyn, un pez payaso al que le da pánico el mar, pasando por Dory, una pececilla que sufre pérdidas de memoria a corto plazo, las gaviotas del famosísimo “Mío!”, unos peces que viven en un acuario y que a raíz de estar ahí han ido ganando conductas de lo más extrañas, tortugas modernas cuyo vocabulario se reduce a “tío, tronco, mola”, unos tiburones que hacen terapia de grupo para dejar el mal hábito de comer peces, hasta un pequeño y adorable pez payaso llamado Nemo. Un “reparto” de lujo que, probablemente, esté compuesto por los mejores personajes jamás creados por Disney - Pixar.


La banda sonora, que corre a cargo de nuestro querido Thomas Newman (al que ya oímos en American Beauty y Wall●E), es terriblemente tierna y emocionante. Y, a pesar de que las canciones sean muy cortas (para mi gusto), este compositor ha conseguido que el mar gozase de un ritmo y energía magistral. Desde luego, se lleva un sobresaliente.

A uno, después de ver esta genial película, se le queda una sonrisa de lo más tonta en la cara y lo único que se le ocurre hacer es decirle “te quiero” a su padre. ¿Por qué? Pues porque este largometraje, que viene de la mano de Lee Unkrich (el que nos conmovió con la tercera parte de Toy Story), tiene un mensaje claro: el amor de un padre por un hijo es inmenso y, si tiene que recorrerse todo el océano para buscar a su hijo perdido, lo hará. Porque un padre hace lo imposible por sus hijos. ¡Ojo! Obviamente incluimos el amor de una madre; si no lo mencionamos es por la ausencia de la misma en la película

Que esta película cuente con un 98% en la famosa página web Rotten Tomatoes, que fuese la segunda película que más recaudó en el año 2003 (siendo la primera El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey) y que ganase el Óscar de la Academia a Mejor Película de Animación, deja claro que es una película que nadie debería perderse. Hacedme caso, queréis verla.



Jerry

jueves, 15 de septiembre de 2011

¿Existen los Rodajes Malditos? (I)




Si nadie ha oído hablar de los llamados rodajes malditos es que no ha prestado mucha atención a esos programas especiales que ponen justo antes de una película en el Megahit de Telemadrid: un “aperitivo” previo a la película en el que se nos destripan gran parte de los secretos, curiosidades e información básica de la misma.

Viendo una vez uno de esos programas, aprendí que hay un rumor/dicho/leyenda en la lejana tierra de Hollywood que dice que todas aquellas películas cuya trama está relacionada con eventos extremadamente macabros, espeluznantes, posesiones espirituales o demonios, ven su rodaje sometido a una serie de tragedias que marcarán la película y que, en alguna ocasión, podrán provocar que la película nunca llegue a las salas de cine. ¿No os lo creéis? Señores, no seamos escépticos. Os sorprendería saber que incluso no sólo hay rodajes malditos, sino que también ciertos protagonistas de nuestra admiradísima alfombra roja llevan consigo una especie de maldición que hace que todo lo que tocan acabe en desastre. Os aconsejo que sigáis leyendo.

Rodaje Maldito Nº1: El Exorcista.

William Peter Blatty, productor y guionista de una de las cintas de terror más escalofriantes de la historia del cine, en la primera página de su libro From Novel to Film escribió la siguiente afirmación:

“Hoy es Viernes, 13 de Julio de 1973, mientras escribo esto William Friedkin (director) está volviendo del norte de Irak, donde filmó en Nimrud y las ruinas de Nineveh; William Kaplan, nuestro supervisor de producción, se encuentra en Bagdad bajo protección armada, después de que un cheque de Warner Brothers para el Gobierno de Irak fuera rechazado. Y yo estoy sentado aquí, pensando en la cadena de inquietantes y misteriosos eventos que han embrujado este proyecto desde su creación”

Al escritor de esta historia, basada en hechos reales, algo no le encajaba muy bien. ¿Por qué sería? ¿Qué le hacía pensar que el rodaje de dicho filme traía consigo “misteriosos eventos”?



William Friedkin: ¿exigente o maldito?
Para empezar, William Friedkin hizo que el rodaje se convirtiese en un verdadero infierno (¡qué ironía!) para el resto del personal debido a su egocentrismo y poca flexibilidad. Llegó a ser llamado “Willie el chiflado”. Parecerá una verdadera tontería pero el realizador del filme tuvo problemas con más de un miembro del reparto.

- La actuación del reconocido actor Max von Sydow (que interpretaba al anciano sacerdote llamado Merri) llegó a ser calificada por Friedkin como ridícula e inservible e incluso afirmó que, probablemente, se debía a una maldición sobre la cinta.

- Más tarde, la presión de Friedkin fue la causante de ataques nerviosos de Linda Blair (la inocente Regan).

- El director llegó a abofetear a un sacerdote que intervenía en algunas escenas del filme para “generar un performance más realista”.

¿Estaría Friedkin alterado por algo en concreto? No creemos que esto se deba a una maldición, sino a un exigente director. A pesar de eso, la película siguió con una serie de catastróficas desdichas…

Friedkin con Linda Blair
Guerra en Irak.
Fue en este asiático país donde se rodaron las escenas en las que una temible estatua del demonio Pazuzu hacía aparición ante el padre Merrin (Máximo). Pues bien, dicha estatua tenía que ser enviada al sitio de rodaje (en pleno Irak) y, sin embargo, y por razones desconocidas, la estatua acabó en Hong Kong. Añadiendo así al rodaje dos semanas más de las previstas.

Escena del filme en el que se aprecia la figura de la estatua del demonio
Banda Sonora de Horror.
El directo hizo el encargo de la música a Lalo Schiffrin, un compositor de origen argentino. Sin embargo, en el último momento director y productor decidieron que la música era de todo menos efectiva y, ante ello, acudieron a un centro comercial (Wallach’s Music City) y compraron dos discos que creían que encajaban con el filme.

En este aspecto tuvieron suerte: Tubullar Bells de Mike Oldfield se convirtió en un éxito inmediato.


Fuego y Agua.
Un incendio destruyó el set donde se encontraba la casa de Chris y Regan. Éste causó por ello que el estreno del filme se viese retrasado nada más y nada menos que seis semanas. Por suerte para todos, nadie estaba presente en aquel momento.

Un detalle digno de mención: se quemó toda la casa salvo la habitación de la poseída Regan.



Muertes.
Ellen Burstyn afirmó en el documental Fear of God, dedicado a la película, que “durante el rodaje de la película se produjeron (nada más y nada menos) que nueve muertes, lo cual es un montón de muertes, conectadas con el filme”.

- El actor Jack MacGowran, que contaba con un pequeño papel en la película (Burke Dennings), murió justo al terminar el rodaje.
- El hermano de Max Von Sydow (Merri).
- El abuelo de Linda Blair (Regan).
- El vigilante del set de rodaje.
- Un miembro del equipo que se encargaba de refigerar la habitación de Reagan.
- El hijo recién nacido de uno de los cámaras.

Y, además, se dieron otras muertes que no tuvieron mucha trascendencia o que ocurrieron ya pasado un tiempo:
- En el desierto de Irak, cuatro trabajadores del set murieron de forma inexplicable.
- El hijo de Jason Miller (Karras) estuvo a punto de morir en un accidente de moto.
- Unos 10 años después del estreno de la película, el hijo de Mercedes McCambridge (que ponía voz a Regan en sus “ataques diabólicos”) mató a su mujer e hijos. Después se suicidó. Además, esta actriz no tuvo una carrera del todo efectiva y sufrió un severo alcoholismo.



Rodaje Maldito Nº2: La Profecía (1976).

Muchas gente cree que esta película, que trata de la venida del Anticristo a la tierra, también está igual de maldita que El Exorcista. De este filme tenemos menos detalles pero las supersticiones acerca de este proyecto (llegó a ser una trilogía, y además hubo un remake ya del siglo XXI) se deben  a una serie de escalofriantes hechos que se sucedieron a lo largo del rodaje de la primera "Profecía".


-Un rayo cayó sobre los aviones en los que viajaban Gregory Peck y el guionista David Seltzer cuando ambos volaban hacia Reino Unido. No iban en el mismo avión.

- Mientras el productor Harvey Bernhard estaba en Roma, pudo sufrir un terrible destino por la misma razón que los anteriores: un rayo estuvo a punto de golpearle y dejarle en el sitio.

- Después de que Gregory Peck cancelase un vuelo a Israel, el avión en el que habría viajado se estrelló y mató a todo aquel que iba a bordo.

- El hotel en el que se alojaba el director Richard Donner fue bombardeado por la IRA. También fue atropellado por un coche.

- Los Rottweilers que se consiguieron para el rodaje del filme eran especialmente agresivos y atacaron en más de una ocasión a los especialistas.


- El encargado de los efectos especiales John Richardson se lesionó mientras conducía su BMW y su novia murió decapitada en el rodaje de A Bridge Too Far (1977).

¿Rodajes Malditos? ¿O son meras casualidades? Pues, no tenemos ni idea pero a nosotros esto nos pone la piel de gallina. Sea cual sea la razón de estos eventos, está claro que algo raro ocurría en estos dos rodajes y no nos gustaría ponernos en el pellejo de ninguno de los miembros del staff.

En los próximos días os hablaremos de una película aún no estrenada que, parece, está maldita y de un famoso director de cine al que casi nada le sale bien... ¿Os lo perderéis?


Jerry.

miércoles, 14 de septiembre de 2011

Miércoles Criticón: Réquiem por un Sueño

Con la “vuelta a la rutina” (o al “cole”) todos nos ponemos un poco dramáticos y, ante eso, nos sentimos más atraídos hacia películas de ese género. Sí, a muchos de nosotros nos pasa. Ocurre exactamente lo mismo cuando uno está triste y decide ponerse música deprimente para hundirse más aun en la miseria. Pues señores, si estáis en esa situación y os apetece ver una película dramática, no os podéis perder Réquiem por un Sueño, una película que te dejará sin aliento…

● Año: 2000.
● Director: Darren Aronofsky.
● Cast: Ellen Burstyn, Jared Leto, Jennifer Connelly, Marlon Wayans.
● Música: Clint Mansell.
● Nominación Oscar: Mejor Actriz (Ellen Burstyn).
● Duración: 102min.

Alguien que lea el título claramente sacará conclusiones acerca de los giros que dará la película. ¿Por qué? Pues porque todos sabemos que un réquiem es una pieza musical que se canta en misas de difuntos y, si la película se llama Réquiem por un Sueño, podremos intuir que el dichoso réquiem se producirá como resultado de un sueño u objetivo de alguno de los personajes de la cinta. Es decir, esta película acabará mal.

No he puesto una “alerta:SPOILER” porque todos sabemos leer y, la verdad, el título es bastante explícito. Además, para los más cinéfilos, el apellido Aronofsky es sinónimo de tragedia. ¿O no? A este famoso director ya le conocemos por títulos más recientes como The Wrestler y Black Swan, dos películas que nos muestran a unos personajes extremos, con destinos vitales terribles y que tienen una vida desdichada.

Réquiem por un Sueño no va a ser para menos. Se trata de una adaptación al cine de una novela que cuenta con una historia impactante que describe cómo los sueños, ambiciones y vidas de distintos drogadictos se ven reducidos a cenizas por el consumo de drogas (tales como anfetaminas o cocaína). Y es que, no sólo la historia es una terrorífica joya capaz de hacerte sentir verdaderamente mal, sino que la forma en la que las páginas del libro han sido traducidas a la gran pantalla es absolutamente magistral.

La historia cuenta cómo un drogadicto llamado Harry (Jared Leto) decide reunir, con la ayuda de su novia (Jennifer Connelly) y un amigo, mucho dinero a través de la venta de droga para poder abrir un negocio y tener así una vida mejor. Por otra parte, Sara (una increíble Ellen Burstyn que interpreta a la madre de Harry) es una adicta a la televisión que recibe la noticia de que podrá aparecer en su programa de televisión favorito, lo que le lleva a una obsesión por adelgazar que le conducirá al consumo de drogas y finalmente a un destino trágico.


Como podemos ver, la trama principal de la película es la adicción (ya sea a sustancias estupefacientes o a cosas tan comunes como la caja tonta) y, además, la ambición. A raíz de esto, el filme puede hacer que nos preguntemos cosas como: ¿Hasta qué extremos podemos llegar por algo que consideramos un “sueño” o por algo que simplemente resulta ser un capricho? ¿Cómo nos dejamos influenciar por lo que parece ser lo “más valorado” por la sociedad? ¿El fin justifica los medios?.

Queremos comentar que nos resulta curioso que el título de la película haga referencia a una pieza musical que a más de uno pueda ponerle la piel de gallina y que, además, la banda sonora de este largometraje sea considerada como una de las más inquietantes de todas las vistas y oídas. Clint Mansell, en esa épica y brutal escena final (o cuasi-final), consigue que más de uno sienta un horror interno que, a mí personalmente, me obligó a tener que dejar de mirar lo que estaba sucediendo en la película. Es brutalidad pura y dura, y todo lo demás son tonterías.

Esta tan trepidante banda sonora, junto con las peculiares escenas en las que los protagonistas consumen droga, el buen desarrollo de la historia y las grandes actuaciones hacen que esta película en un primer momento te haga pegarte a la pantalla. Sin embargo, cuando todo se empieza a complicar y los protagonistas comienzan a recorrer los oscuros caminos de la desesperación como consecuencia del llamado “mono”, esta película se convierte en una verdadera pesadilla que hace daño a la vista mostrándote con todo detalle hasta dónde son capaces de llegar los protagonistas para, ya no cumplir sus sueños, sino conseguir más droga.


No sería justo infravalorar esta película por la realidad de lo que muestra pero sí hay que advertir que tiene una serie de escenas que provocan miedo, tristeza y odio en estado puro. Muestra la degeneración de la persona por la droga, el abuso de los camellos hacia sus clientes, los precios que están dispuestos a pagar los adictos para frenar la situación de “mono”, las consecuencias tanto físicas como psíquicas del consumo, la pérdida de principios y convicciones…

Así que si quieres saber lo que es la droga, lo que hace, lo que destruye, y en lo que te convierte, no te pierdas esta película. Pero, ojo, estate preparado para no sólo disfrutar de un cine de extrema calidad, sino para pasarlo verdaderamente mal.

"Aparatosa, irregular, pero fascinante nueva obra de Aronofsky" (Javier Ocaña: Cinemanía)
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