miércoles, 30 de noviembre de 2011

Martes Criticón: El Graduado

Como muchos de vosotros ya sabréis, (500)Días Juntos es una de nuestras películas favoritas. Ante eso, que la introducción de la historia de desamor más asombrosa de la historia del cine contemporáneo comience con una frase en la que se hace referencia al filme El Graduado, nos llevó a ver esa película y, por eso, ahora la someteremos a crítica…

● Año: 1967
● Director: Mike Nichols
● Cast: Anne Bancroft, Dustin Hoffman, Katharine Ross, William Daniels, Murray Hamilton, Elizabeth Wilson…
● Música: Paul Simon
● Nominaciones a los Oscar: Mejor Dirección (Ganador), Mejor Actor Protagonista, Mejor Actriz Protagonista, Mejor Actriz de Reparto, Mejor película, Mejor Fotografía, Mejor Guión Adaptado.
● Duración: 102min.

Con el famosísimo “Sonido del silencio” de Simon & Garfunkel se nos introduce en la historia (basada en una novela) de un joven llamado Benjamin (Dustin Hoffman) que acaba de graduarse en la universidad y que vuelve a casa (Los Angeles), totalmente desmotivado ante el futuro, para encontrarse que una amiga de su madre, la Sra Robinson, está tremendamente interesada en él.

Pronto (quizás demasiado pronto), ambos se sumergen en una historia secreta y peculiar que, por razones obvias, jamás deberá salir a la luz. Sin embargo, todo peligrará a partir del momento en que nuestro joven protagonista comience a cansarse de que el único nexo que le une con la Sra Robinson sean las relaciones sexuales… Y ya el peligro se ve multiplicado por siete cuando éste se enamora de la hija de su amante: la guapísima Elaine.

A partir de aquí, la película toma un ritmo frenético y totalmente impredecible que nos pegará a la pantalla… ¿Se llegará a descubrir el secreto? ¿Hasta dónde podrá llegar la Sra. Robinson si Benjamin sale con su hija? ¿Cómo procederá el inseguro e inmaduro Benjamin ante las situaciones que se le presentan?.


● Polémico y Brillante Final [Sección que contiene innumerables SPOILERS]
Tras haber interrumpido la boda de Elaine, haber pegado al padre de su “chica” y marido de su “amante” (sí, todo es muy polémico en esta película), haber cogido un crucifijo como arma y haber encerrado a toda una cohorte de invitados en la Iglesia, nuestros jóvenes protagonistas se suben a un autobús y ríen por la “locura” que acaban de hacer.

Ríen por la adrenalina que les ha supuesto enfrentarse a sus temores y haber abrazado de forma absolutamente espontánea un destino incierto con la persona a la que aman. Se miran para comprobar que se sienten igual; que es recíproca esa ansiedad y exaltación que recorre todo su cuerpo.

Ríen porque no saben qué les depara el futuro pero, al ser jóvenes, todo lo que se les presente les parecerá prometedor. Sonríen porque creen que no se han equivocado y que la vida sin “locuras” no es vida. Esbozan una diminuta sonrisa porque creen que están enamorados…

Y, finalmente, permanecen serios porque no saben qué demonios van a hacer con sus vidas, no saben si se quieren lo suficiente y, desde luego, no saben si eso que acaban de vivir es el “…y comieron perdices” que todos nos aprendemos muy bien cuando somos pequeños.

Entonces, suena la canción “The Sound of Silence”, que no puede ser más oportuna: estos dos personajes se acaban de decir muchísimo sin decir ni una sola palabra, respetando siempre un silencio sepulcral que les puede conducir a un futuro lleno de fracasos. El silencio está haciendo muchísimo ruido y, entonces, mientras vemos cómo el autobús se aleja, aparecen los créditos finales.


Final polémico.

¿Interpretaciones? Miles.
Yo acabo de dar la mía. Tom, el protagonista de (500) Días Juntos, lo interpretó de otra forma.

Tom quiso ver un final feliz en el que el héroe (o, como me dijo una amiga mía, “antihéroe”) se sale con la suya y consigue acabar con la mujer de sus sueños… Lástima (o no) que se diese cuenta más tarde de que dicho final no es para nada lo que él creía. Pero eso es otro tema al que, algún día, dedicaremos un artículo entero.

[Fin SPOILERS]

● Valoración.
Como ya he mencionado anteriormente, la calidad de la película va en aumento conforme la historia se desenvuelve… Mike Nichols nos ofrece un filme con clase y personalidad, con brillantes actuaciones y temática magnética en la que se nos presentan, entre otras cosas, situaciones absolutamente geniales: la conversación en la casa de la Sra. Robinson, la primera cita de la joven pareja, el final… En general todo lo relativo al filme es cine “puro y duro”, así que, queridos lectores, no esperéis más a ver un clásico-clasicazo de Hollywood.




Jerry

martes, 29 de noviembre de 2011

Vídeo de la Semana: Hijos de los Hombres

Hace ya un tiempo sometimos a crítica a la película Hijos de los Hombres, un drama en cierto modo apocalíptico que venía de la mano de Alfonso Cuarón (a quien conocemos por Harry Potter y El Prisionero de Azkaban, considerada por muchos como una de las mejores entregas de la saga) que nos describe un mundo futuro en el que las mujeres son estériles y en el que el caos, el racismo y la marginación son el pan de cada día.

Hoy, debido a lo muchísimo que nos gusta esta película, os ofrecemos una escena de la misma, ya muy cercana al desenlace, en la que podemos apreciar cómo el lloro de un bebé puede calmar la furia contenida por muchos y, así, producir unos minutos de paz y serenidad en un mundo que ha perdido toda esperanza.

Consideramos esta escena, protagonizada por Clive Owen y Clare-Hope Ashitey, como la mejor de la película: es profunda, está cargada de emoción y hace que, después de toda la odisea que han vivido nuestros personajes, nos demos cuenta de cómo ha cambiado Theo (Clive Owen) y de cómo aún hay cierta "humanidad" dentro de las personas.

Aconsejamos que quien tenga planeado ver la película se abstenga a contemplar esta magnífica escena. Advertidos quedáis.

Que la disfrutéis.


Jerry

sábado, 26 de noviembre de 2011

¿Existen los Rodajes Malditos? (III)



Hace ya un tiempo os presentamos dos artículos relacionados con distintas (y supuestas) "maldiciones" que habían hecho tremendamente difíciles los rodajes de películas tan conocidas como El Exorcista y La Profecía, o que habían atormentado a directores del calibre de Terry Guilliam y Peter Jackson.

Ahora, en esta nueva entrega de "Rodajes Malditos" os presentamos una leyenda urbana del mundo de la Alfombra Roja que resulta perturbadora y escalofríante... 

Durante la grabación de una escena de la famosísima película "El Mago de Oz", un miembro del reparto decidió ahorcarse en pleno decorado y, de forma absolutamente accidental, esa escena quedó en el montaje final... Por lo que los espectadores del filme pudieron apreciar semejante desgracia tanto en el cine, como en sus casas... Echadle un vistazo.


Pero que no cunda el pánico, queridos lectores... Como ya os explicamos en el artículo que dedicamos a las polémicas que había en torno a las películas de Disney, YouTube es una fuente de mentiras: en ella abundan montajes falsos que son fruto de las perturbadas mentes de muchos usuarios que, a raíz de iniciar una polémica, consiguen muchas visitas a sus vídeos. Pues bien, este vídeo que acabáis de ver es uno de ellos: es más falso que las actuaciones de los protagonistas de la saga Crepúsculo.

Ahora os mostraremos un vídeo de muchísima menor calidad (el anterior tenía tan buena calidad que nos pareció excesivamente sospechoso) en el que no sabemos qué estamos presenciando... Vemos movimientos y balanceos pixelados que no nos permiten apreciar bien qué está pasando y, por ello, entendemos que mucha gente pudiese creer ver a un hombre ahorcándose.


Sin embargo, tras mucha investigación y tras consultar, entre otras fuentes, a la magnífica revista Cinemanía, pudimos saber que la figura borrosa (el supuesto ahorcado) se correspondía a una simple e inofensiva ave (posiblemente una grulla). La explicación reside en que los realizadores del filme tomaron prestados una cantidad de 300 aves que dejaron "sueltas" en el set de rodaje para dar así un aspecto más realista a ese bosque de árboles (que, la verdad, se nota que son falsos y que no podrían soportar el peso de una persona ahorcándose).

Si ahora revisáis el segundo vídeo que os hemos ofrecido (no volváis a ver el primero, que es una farsa), podréis apreciar bien que, efectivamente, así es. Si aún seguís sin verlo bien (algo que me extraña, porque una vez te dicen que se trata de un ave, se hace más que evidente lo que nuestros ojos están contemplando), entonces ver el vídeo que os presentamos ahora, en el que la calidad es DVD y, además, es real.


Bueno, pues aquí os dejamos por hoy. Espero que esta intrigante noticia os haya gustado. Si así es, os recomendamos leer los anteriores dos artículos de los "Rodajes Malditos" (enlace haciendo "click" abajo).
- Directores Malditos: Peter Jackson y Terry Guilliam
- Películas Malditas: El Exorcista y La Profecía.

Jerry

viernes, 25 de noviembre de 2011

Viernes Criticón: Mi Vida Sin Mi

¿Alguna vez se te ha ocurrido que en un futuro, cuando ya llegues a la tercera edad, echarás la vista atrás y te darás cuenta de lo mucho que querrías haber hecho en el pasado? Estoy seguro de que un número considerable de vosotros (entre los que me incluyo) se habrá hecho esa pregunta en más de una ocasión y, por eso mismo, muchos nos hemos planteado si no deberíamos tomarnos la vida con más calma, vivir más intensamente cada momento y, en definitiva, dedicar un poco más el día a día al famoso “Carpe Diem”.

Mi Vida Sin Mí es una película que me sorprendió mucho por la vuelta de tuerca que le da a este asunto: en vez de centrarse en el “lo que me gustaría haber hecho”, el filme se va a centrar en el “lo que me gustaría que mis seres queridos hagan en un futuro… cuando yo ya no esté”.

● Año: 2003
● Director: Isabel Coixet.
● Cast: Sarah Polley, Mark Ruffalo, Scott Speedman, Amanda Plummer, Leonor Watling, Alfred Molina…
● Música: Alfonso de Villalonga
● Duración: 106min.

Isabel Coixet nos presenta con su cuarto largometraje a una joven llamada Ann (magnífica Sarah Polley), limpiadora nocturna en una universidad de Vancouver, que vive en una caravana con su encantador (pero desempleado) marido y con sus dos pequeñísimas hijas, a quienes quiere con locura.

Un buen día Ann es diagnosticada de un cáncer incurable: le quedan escasos meses para vivir, situación que le ayuda a darse cuenta de que hasta ahora no había vivido como se debe vivir y, por ello, será entonces cuando nuestra protagonista decida empezar a hacerlo.


Para ello, Ann recurrirá al tópico de hacer una lista de “cosas que quiero hacer antes de morir y, además, centrará sus últimas fuerzas en garantizar a su familia un futuro lleno de vida y alegría, mientras que ella se despide del mundo en el que apenas ha conseguido vivir

El personaje de Ann es absolutamente fascinante: una joven de 23 años, sin un pasado afortunado, con un presente sin sueños y un futuro escaso en el que, a pesar de las adversidades, consigue saborear la vida mientras hace todos los arreglos para garantizar a sus seres queridos un futuro feliz. Todo esto hecho posible gracias al brillante trabajo de la no-tan-conocida Sarah Polley.

Además, el resto del reparto (incluyendo a las jovencitas que interpretan a las pequeñísimas hijas de Ann) cumplen con su labor y nos dan una lección de cómo debe valorarse la calidad del cine Indie y de, además, cómo debemos respetar un género cinematográfico olvidado por los espectadores y abrazado por actores de calidad (véase Mark Ruffalo).


Mi Vida Sin Mí  nos ofrece un drama que no cae en el estereotipo de melodrama americano. Es silencioso, sencillo, discreto, dulce y muy profundo. Aunque, ojo, también cuenta con momentos muy graciosos que no dejan de mostrarnos la crudeza de la historia: ella se muere y los demás no saben que la están perdiendo, una realidad tremendamente triste reflejo de ese egoísmo tan escaso en el día a día que proviene de la bondad y del desear a los demás algo mejor de lo que nosotros tenemos.

En definitiva, el cine, desde mi punto de vista, es importante porque enseña y, además, ayuda a pensar. En concreto esta película enseña lo que puede ser el placer de vivir: el saber vivir y el hacer a los demás vivir en un mundo mejor desde las sombras, escondido, pasando desapercibido y, pues eso, construyendo “ Tu vida sin ti ”: magnífico ejemplo de cine Indie.



Jerry

martes, 22 de noviembre de 2011

Video de la Semana: "How Inception Should Have Ended"

Como vídeo de la semana os presentamos este divertido "corto", de la cadena de televisión estadounidense Starz, que nos describe cómo debería haber terminado la película de Christopher Nolan "Origen" (Inception).

En el vídeo podemos ver a los principales protagonistas del filme protagonizando una escena en la que abundan chistes y guiños bastante efectivos, con una música de fondo que parodia la peculiar (y asombrosa) banda sonora de la película (firmada por Hans Zimmer).


Si os gusta y queréis ver más vídeos de este estilo no os perdáis el canal de YouTube de Hishe.com, donde hay múltiples "How it should have ended", muchos de ellos muy graciosos.


Espero que lo disfrutéis.


Jerry

lunes, 21 de noviembre de 2011

Lunes Criticón: WALL●E

Out there there’s a world outside of Yonkers… Way out there beyond this hick town, Barnaby. There’s a slick town, Barnaby… Out there, full of shine and full of sparkle… Close your eyes and see it glisten, Barnaby… Listen, Barnaby…”

Con esta canción, del musical “Hello Dolly!” empieza otra obra maestra más de PIXAR: una que se llevó el Óscar en la categoría “Mejor Película de Animación”, que ponía en el punto de mira del público infantil (y no tan infantil) lo importante que es el cuidado del medio ambiente y de nuestro propio organismo, y que se merece todo tipo de halagos.

● Año: 2008
● Director: Andrew Stanton
● Cast: Ben Burtt, Elissa Knight, Jeff Garlin, Fred Willard, John Ratzemberger, Kathy Najimy, Sigourney Weaver.
● Música: Thomas Newman
● Nominaciones a los Óscar: Mejor Película de Animación (Ganadora), Mejor Guión Original, Mejor Banda Sonora, Mejor Canción Original, Mejor Edición de Sonido, Mejor Sonido.
● Duración: 98min.

Si os gustó el innovador guión de Buscando a Nemo (proyecto en el que, por cierto, también figuraba como director Andrew Stanton), tenéis que conocer a Wall●E sin falta.

Así que… Meet Wall●E (técnicamente conocido como Waste Allocation Load Lifter Earth Class); un pequeño robot diseñado para limpiar toda la basura que los humanos dejamos tirada por el planeta, que lleva más de 700 años llevando a cabo con éxito su labor (después de que todos sus compatriotas robots, tras la huída de los humanos de la Tierra, hayan agotado sus baterías y pasado a una mejor vida).

Sin embargo, tantos años de vida pasan factura en un robot tal y como lo hacen en un humano: Wall●E se ha convertido en una máquina con emociones, sentimientos, y con una batería que late más fuerte por el amor que cualquier corazón humano.

Debido a la llegada de un robot llamado EVA a la Tierra, cuya misión era la de encontrar algún indicio que demuestre a los humanos que la vida es posible en el abandonado planeta, Wall●E se verá envuelto en una espiral de acontecimientos que terminarán por localizarle en lo más alto de la escala robótica: gracias a él, los humanos podrán volver a su hogar.

Desde el primer momento de la película,el robot Wall●E hace que casi todos los espectadores sonrían de forma casi inconsciente: es gracioso, tierno, ingenuo (o quizás ignorante) y, en definitiva, es un robot que votaría a los llamados “verdes” en las elecciones del pasado 20N de España. Todo esto lo consigue sin decir ni una sola palabra (salvo su nombre) y emitiendo una serie de sonidos electrónicos que resultan de lo más expresivos. Eso es potencia y eficacia (y todo lo demás son tonterías).



A pesar de lo que yo os pueda contar, he de decir que el principio de esta película fue tremendamente polémico debido a que los primeros 35 minutos (aproximadamente) son un espectáculo visual (y para muchos puro cine) pero, en ellos, no se oye ni un diálogo que tenga “sentido” (repito: para mí sí que lo tenía). Eso sí, muchos critican este comienzo del filme y sin embargo aguantan las frases sueltas y vacías de El Árbol de la Vida: algo no me encaja.

Puede que para muchos ese principio, en cierto modo complejo y no accesible para todo espectador (como todo), la impresionante ambientación, los chistes simplistas pero del todo efectivos, y esa maquinita recoge-basura no cause ni una pizca de empatía o emoción. Sin embargo, a mí la película, desde el minuto uno, comenzó a transmitirme más que cualquier otro filme de animación.


Si a estos primeros seis minutos del filme le añadimos la música de Thomas Newman, entonces ya no sólo abrimos los ojos como platos, sino que nuestros huesecillos del oído (martillo, yunque y estribo) se sumen en un estado de cuasi-embriaguez suprema del que será muy difícil escapar (cuando termine la película quizás muchos espectadores, como yo, no puedan resistirse a permanecer quietos mientras observan y disfrutan de los créditos finales con esa música tan sumamente perfecta).  

Por si no nos conformásemos con esa capacidad de transmitir algo de una forma tan simple (¿o quizás es compleja?), la historia de amor de esta película es de las más bonitas que jamás he visto. Supera todo lo visto en cine de animación: no cae en la ñoñería de algunas princesas Disney y, además, sobrepasa a míticas historias (que no por ello “buenas”) como la de Moulin Rouge, Notting Hill o Crepúsculo. Esta historia de amor, es amor de verdad y, teniendo de protagonistas a dos robots, es más que impresionante.


Pero es que, no sólo nos convence la dirección, la historia, el personaje y la ambientación… En Wall●E también nos encantan los detalles ingeniosos del absolutamente magistral guión: el robot vive con una cucaracha; aquel bicho que nunca muere y siempre sobrevive (de ahí que a pesar de que le pise Wall●E, entre otras cosas, jamás muera… ¡tal y como en la vida real!), la elección del robot de dónde situar el cubierto de mesa, grabar la película, que los humanos sólo se comuniquen por pantallas, que Wall●E coja la luz del sol mediante mini-placas solares para cargar su batería y que el sonido de “activación” de su sistema sea como el de un ordenador Mac (clara referencia a la conexión entre Pixar y Apple), la pérdida ósea que experimentan los humanos… ¡En esta película se nos demuestra que Pixar, igual que Wall●E, ha desarrollado una personalidad genial!

En fin, señores, no dejéis de ver una película que, a pesar de no tener diálogos intensos (pero sí ingeniosos), es una grandísima obra de arte del cine: es el cine de animación llevado a otro nivel, un nivel que sólo PIXAR es capaz de alcanzar. Los personajes son tiernos, tremendamente humanos (a pesar de ser la gran mayoría meras piezas de lata, acero y similares) y sorprendentemente graciosos.

Sabemos que las películas de crítica al poco cuidado del medio ambiente pueden dar pereza, que los filmes con críticas a la sociedad computerizada en la que vivimos pueden resultar aburridas (ya tenemos padres y madres que nos lo recuerden día a día) y que las películas de animación suelen ser para niños… No os confundáis: el mensaje de esta película es buenísimo y, además, quien piense que las películas de animación son sólo para niños está muy equivocado: muchas de las grandes obras del séptimo arte son, en realidad, películas de animación.

Wall●E os llegará al corazón. Si no lo hace… llamadme, que os convenceré para que lo haga.




Jerry.

viernes, 18 de noviembre de 2011

Viernes Criticón: Déjame Entrar (Let Me In)

Hace muy poco os comentamos en un artículo la “fiebre de la repetición, una tendencia actual con pinta de enfermedad crónica que asola a Hollywood desde hace ya varios años…

En este artículo entrábamos en un dilema: “¿nos gusta? ¿o no nos gusta? ¿recibiremos con los brazos abiertos a los remakes de películas actuales?”. No lo sabemos y, probablemente, hasta que no nos veamos en la situación, no sabremos cómo reaccionaremos.

Desde que empecé a hacerme estas preguntas, comencé a indagar más en recientes remakes y sagas… Y entonces, me encontré con éste: Déjame Entrar, un remake de un filme de origen sueco de vampiros llamada Let The Right One In (Lat den rätte komma in), que recibió todo tipo de premios y fue muy halagada por las críticas.

● Año: 2010.
● Director: Matt Reeves.
● Cast: Kodi Smit-McPhee, Chlöe Grace Moretz, Richard Jenkins.
● Música: Michael Giacchino
● Duración: 115min.

Si no sabes nada de vampiros hoy en día, tienes un serio problema. Actualmente el cine y la televisión están repletos de series y películas vampíricas empezando por la saga-saguísima Crepúsculo, pasando por True Blood  y Crónicas Vampíricas, viendo recientemente en cines Noche de Miedo y terminando con esta: Let Me In.

Este filme nos cuenta la historia de cómo Owen, un chico de 12 años marginado social que sufre abusos en el colegio (por el mismísimo hijo de Jack Sheperd en LOST o, si lo preferís, el niño sin orejas de Anatomía de Grey), conoce a Abby, una chica a la que se encuentra en el patio de su casa todas las tardes, cuando el sol ya se ha ocultado.


Poco a poco, y mientras unos terribles asesinatos tienen lugar en esa apacible localización de Nuevo Méjico, Owen se irá dando cuenta de que su vecina, con la que llega a establecer una conexión importante, es diferente a cualquier otra niña… Es un vampiro.

La película, cuya dirección corre a cargo de Matt Reeves (el que ya nos sorprendió con Monstruoso, una película que también pasó por las manos de J.J.Abrams), comienza de forma intrigante y aterradora. Es de estas películas que primero te introducen un avance de lo que va a pasar y, posteriormente, recurren a explicarte por qué ha pasado, quién estaba involucrado y qué consecuencias tendrá. Eso a mí me encanta: que nos dejen con la miel en los labios es un buen método para mantener al espectador atento y expectante.

Sin embargo, con el paso de los minutos, para aquel espectador que espera una película de terror “puro y duro”, el filme comienza a decaer. Esto se debe a que no es hasta el final de la misma cuando de verdad sentimos que la película toma un ritmo más adrenalínico y terrorífico. Eso sí, cuando ese momento llega, uno no quiere que la película termine.


A pesar de ello, la relación entre Owen y Abby nos encanta y, no sólo eso, sino que la forma en la que Owen comienza a percatarse de que algo raro ocurre en el piso de al lado nos conmueve: la pérdida de su inocencia es absolutamente magistral.

El desenlace de la película es muy bueno. Desde que Owen descubre el secreto de su amiga, todo cambia y los sucesos que ocurren de ahí en adelante son, para qué mentir, brutales. Sí, brutales. Parece que toda la brutalidad que encierra el filme pasa desapercida durante el transcurso de la misma y decide hacerse más que evidente al final y, cuando lo hace, surte su efecto.

La banda sonora de la película viene de la mano de Michael Giacchino (Up, Lost) y es efectiva para el filme, pero nada del otro mundo. Nos da pena decir esto porque Giacchino sabemos que es un genio. Sin embargo, las piezas más “calmadas” de este filme nos recuerdan demasiado a esas melodías lostianas que en su momento (y actualmente) nos dejaban sin respiración. Por otro lado, las de las escenas de más intriga nos resultan de todo menos extraordinarias en cuanto a música se refiere. A pesar de eso, las piezas musicales no llegan a ser malas: se adecuan a la perfección a la trama de la película y contribuyen a transmitir agobio y frustración al espectador en los momentos más oportunos. Sin embargo, y por desgracia, no recordaremos a este filme por su BSO (a diferencia de Up).


En definitiva, a pesar de tratarse de un filme de vampiros, que nadie se espere un romance imposible porque esta película no es para nada una de esas ñoñerías que tan hartos nos tienen a todos. El amante del vampiro respirará tranquilo después de haber visto un filme que, a pesar de no ser terrorífico, llega a ser escalofriante, y que, además, nos muestra muy bien cómo son los vampiros, qué reglas deben cumplir, y cómo podrían habitar en el mundo de hoy en día.

En definitiva, este filme es algo que hay que ver. Sin embargo, y muy a mi pesar, yo no he visto el original (Let The Right One In) así que cuando lo vea, quizás modifique mi crítica.

- Are you a vampire?
- I need blood to live
- But how old are you, really?
- Twelve. But... I've been twelve for a very long time.



Jerry.

jueves, 17 de noviembre de 2011

[MCDC] ahora en Facebook

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miércoles, 16 de noviembre de 2011

Trailer de la Semana: Mirror, Mirror.

La semana pasada os deleitamos con el trailer de la nueva película de Blancanieves Snow White & The Huntsman. Pues bien, esta semana aprovechamos esta nueva tendencia para presentaros la otra alternativa a la historia de esta princesa: Mirror, Mirror.


Si vistéis el trailer de la versión protagonizada por nuestra admirada Charlize Theron y la crepusculiana Kristen Stewart, os habréis dado cuenta de lo oscura, siniestra y emocionante que parece.

Mirror, Mirror es totalmente distinta. Con un colorido casi excesivo, un vestuario sobrecargado, y un ambiente mucho más cómico y mucho menos dramático, Tarsem Singh (al que conocemos por La Celda y quien próximamente nos mostrará Immortals [un híbrido entre 300 y Furia de Titanes]) nos introduce en el mundo de Blancanieves de una forma mucho más polémica y, sin embargo, más accesible al público infantil.



Julia Roberts no nos convence mucho en el trailer: no estamos seguros de que pueda con esa Reina Malvada caprichosa, envidiosa y, tal y como vemos en el trailer, irónica y ostentosa (aunque, ¡ojo!, le daremos una oportunidad porque ella nos encanta). Por ahora Lily Collins se librará de los comentarios: le daremos el visto bueno (como al "Príncipe Winklevoss").

Os recomiendo que veáis el trailer por lo menos para valorar la grandísima diferencia entre estas dos historias... ¿Con qué Blancanieves nos quedaremos? Hasta que no las veamos, no diremos nada...

Que lo disfrutéis.

lunes, 14 de noviembre de 2011

PIXAR NEWS [Trailer BRAVE, Escena del nuevo CORTOMETRAJE]

A todos nos gusta oír noticias nuevas de PIXAR, y más aún si esas tienen que ver con una de sus grandes obras de arte: Toy Story.

Hace unos días llegó a nuestros oídos que justo antes de la proyección de la nueva película de Los Teleñecos, podremos disfrutar de un nuevo corto animado de PIXAR llamado, "Small Fry" (o al menos eso creemos), en el que los protagonistas serán Woody, Buzz, y ¿un pequeño Buzz?.



Este pequeño y prometedor Buzz (verle ya es cómico) no podrá hablar: tan solo emitirá sonidos extraños que garantizarán grandes risas y aplausos (supongo que en la línea del Buzz Españolizado de Toy Story 3). Además, estamos seguros que el pequeño Buzz podrá frustar mucho al Sherriff Woody mientras el verdadero Buzz hace terapia de grupo con unos prometedores juguetes olvidados del famoso Pizza Planet...


Hoy mismo, ha salido un clip de este nuevo corto... Si queréis verlo, adelante... Espero que lo disfrutéis.


[Por si el vídeo desaparece, enlace a la Revista Británica EMPIRE aquí]

¡Por cierto! Aprovechamos para mostraros nuevas imágenes de la próxima película de PIXAR: Brave, una historia [alerta: SPOILER] sobre la arquera Merida (Kelly Macdonald), hija del Rey Fergus y de la Reina Elinor, que decide desafiar una "regla antigua" de su pueblo, provocando así el caos en el reino. Entonces, ella acude a una bruja en busca de ayuda, que lo único que hará será desatar una terrible maldición que obligará a Merida a deshacer lo hecho y así descubrir lo que es de verdad la valentía.



Por si no fuera poco, además os ofrecemos el nuevo TRAILER de Brave (que acaba de salir y que, además, es más largo que el inespecífico teaser trailer) de la película. ¿Qué os parece? A mi ese acento me resulta muy gracioso y los gráficos prometen... Veremos qué nos deparará la historia de Merida...



Jerry.

sábado, 12 de noviembre de 2011

DISNEY y Los Huevos de Pascua



Todos apreciamos y valoramos mucho el trabajo de Pixar: una gran fuente de cine de calidad que, además de deleitarnos con muy buenas películas, nos ofrecía los llamados “Easter Eggs" (huevos de pascua).

¿Qué es un huevo de Pascua?
Como os explicamos en el artículo de hace ya unos meses (relativo a Pixar), no es ni más ni menos que un mensaje escondido, una broma intencionada con la que los creadores de una película pretenden entretener al público y hacerles esbozar una sonrisa.

Pixar es muy dado a eso y por ello, además de por muchísimas otras cosas, a la gran mayoría de nosotros nos fascina. Sin embargo, no es el único que lo hace… Es más, antes de que Pixar pusiese tan de moda esos huevos de Pascua, la factoría de la ilusión de Hollywood también hacía algo similar.

Sí, estamos hablando de Disney.

¿Cameos o huevos de Pascua?
Muchos pensaréis que más que un Huevo de Pascua, estaríamos presenciando un cameo (la aparición breve de una persona/material en una película o serie de televisión, sin que cobre por ello)… Y, efectivamente, aquí en “¡Malditas Críticas de Cine!” también opinamos lo mismo.

¿Por qué pensamos que estamos hablando de cameos? Pues bien… En el anterior artículo no hicimos distinción entre ciertos “tipos” de huevos de Pascua, así que lo haremos ahora (esta clasificación es inventada por Jerry: es una mera opinión):

- Por una parte tenemos los Huevos de Pascua puros, que son aquellos que nos muestran a un personaje o cosa inédita, nunca antes vista. Por ejemplo, la aparición de Nemo en Monstruos S.A. es un Huevo de Pascua Puro porque, cuando salió, nadie conocía al pequeño pez payaso… Es decir, primero vemos el objeto y no caemos en la cuenta de lo que estamos presenciando. Sin embargo, cuando sale la película (en este caso Buscando a Nemo) el “huevo se abre” y  nos damos cuenta de que el personaje ¡ya había aparecido en Monstruos S.A.!

- Por otra parte tendríamos los Semi-Huevos de Pascua que son, en realidad, cameos puros. Esto se debe a que nos muestran a un personaje/cosa que ya conocíamos con anterioridad. Por ejemplo, la aparición de Jessie en Monstruos S.A.


Disney, a diferencia de Pixar, nunca nos presenta Huevos de Pascua… Por lo que optan aquí es por, simplemente, otorgarnos cameos. Aunque, ¡no penséis que no tiene mérito!.  Hay miles y miles de cameos… Ahora os presentaremos muchos de los que hemos descubierto.

[ADVERTENCIA: Algunos detalles de estas fotos son muy pequeños así que, si no podéis ver bien las fotos, haced "click" sobre ellas y se os ampliarán. Si tenéis cualquier sugerencia, no dudéis en decírmelo]

101 Dálmatas [Clásico Nº17]
En 101 Dálmatas, además de tener muchos cachorritos de perro, cuenta con un cameo de muchísimos personajes de otra película canina: La Dama y El Vagabundo. En el “Ladrido A Medianoche” podemos encontrar muchos personajes de dicha película: a Reina, a Golfo (subido en una camioneta), a Jock y a la mayoría de los que aparecen en la perrera.

Golfo (encima camioneta) y Reina
Perra que aparece en La Dama y el Vagabundo


El Libro de la Selva [Clásico Nº19]
En el libro de la selva hay un pequeño cameo muy significativo para Walt Disney: en una escena podemos ver a la madre de Bambi. Decimos que es especial porque Bambi era una película muy importante para el creador de Mickey Mouse.

La madre de Bambi en El Libro de la Selva
Los Rescatadores [Clásico Nº23]
Walt estaría muy contento con el cameo de esta película porque en ella también podremos ver a Bambi y a su madre pastando mientras la pequeña Penny llora por su soledad. [Se pueden ver en el minuto 00:45 del vídeo adjuntado debajo].

Bambi y su Madre en Los Rescatadores

Basil, el Ratón Superdetective [Clásico Nº26]
En una escena de esta película podremos ver al elefante más querido de todo Disney. ¡Dumbo! (Sí, aunque Abú sea un elefante durante la mitad de la película Aladdín, su esencia es primate).

Dumbo en la película de Basil, el ratón Superdetective

La Sirenita [Clásico Nº28]
La Sirenita, una de nuestras películas Disney favoritas (junto con Aladdín, El Jorobado de Notre Dame, La Bella y La Bestia y Mulán) tiene muchos cameos.

- Cuando Tritón entra en el gran salón al principio de la película, el público aplaude su llegada. Entre este agradecido público se encuentran, nada más y nada menos, que ¡Mickey, Goofy y Donald! La calidad de la foto es muy mala, perdonen la molestia.





- Cuando se nos muestra el salón del lujoso palacio de Eric, unos cuadros de proporciones gigantes pasan muy desapercibidos… Sin embargo, si nos fijamos bien, veremos cómo uno de ellos es de la princesa Aurora, la joven de La Bella Durmiente.

A la izquierda podemos apreciar el cuadro
- Eric es un celebrity muy importante y, por ello, a su boda deben asistir todo tipo de autoridades y de fenómenos mediáticos. El Duque y el Rey de La Cenicienta no se iban a perder la boda así que, acudieron. Lo que ellos no se esperaban es que la prometida de Eric se fuese a transformar en un pulpo gigante. Y ellos pensaban que el caso de Cenicienta era peliagudo…

EL Duque y el Rey en la boda de Eric con Úrsula
Aladdín [Clásico Nº: 31]
Esta es mi película Disney favorita y, además,  en ella podemos ver muchos cameos:
- Mientras el Sultán está haciendo una torre con sus juguetes, podemos ver cómo una de las figuras no es ni más ni menos que Bestia, el príncipe del clásico de Disney nominado al Óscar La Bella y La Bestia.

La Bestia se encuentra casi arriba del todo, a la izquierda
- El genio, en la secuencia del oasis, homenajea a dos grandes películas: Pinocho (imitando a un Pinocho mentiroso a causa de algo que acaba de decir Aladdín) y La Sirenita (sacando de un libro al cangrejo más gracioso del mar: Sebastián).

- El genio, al despedirse de todos sus amigos para irse a la playa, tiene puesta una gorra de Goofy.


Además de éstos, hay más… Pero esos os los comentaremos en otra ocasión.

El Jorobado de Notre-Dame [Clásico Nº34]
Esta terroríficamente dramática historia, fenomenalmente abordada por Disney y con una banda sonora de infarto, encierra muchos cameos que no resultan tan obvios como los vistos en Aladdín…

- Mientras nuestro querido Quasimodo canta la canción “Ahí Fuera” podemos apreciar, durante unos escasos segundos, las calles de París… Si nos fijamos mucho, distinguiremos a Bella (de La Bella y La Bestia) paseando (y, ¡cómo no!, leyendo) y a un comerciante que está agarrando a la alfombra mágica de Aladdín. En el vídeo de YouTube que os ofrecemos debajo, se pueden ver en el minuto 02:46-02:55.



- Cuando Esmeralda sube al “santuario” de nuestro protagonista y le echa una ojeada a la mesa con todas las figuras talladas por Quasimodo, se fija en una en especial: el panadero más famoso de todo Disney por su frase “¡Marie, las baguettes! ¡Rápido!” del filme La Bella y La Bestia.


Hércules [Clásico Nº35]
Esta película, acusada por muchos jóvenes ignorantes de “guarra”, también tiene un cameo muy famoso.

- Hércules, mientras le están haciendo un retrato cual fiero guerrero, tiene la piel de Scar puesta.


Tarzán [Clásico Nº37]

- Como hemos podido ir comprobando, La Bella y La Bestia están presentes, de una manera u otra, en casi todas las películas… Y, en Tarzán no iba a ser menos: Bestia les dejó a Jane y compañía a su querida Sra Potts.




- Además, todos sabemos que la selva profunda es un lugar donde nunca sabes qué animales te vas a encontrar… ¡hay en una escena en la que podemos ver al perrito de Mulán caer del cielo!

Fantasía 2000 [Clásico Nº38]
En Fantasía 2000, y más concretamente en la historia de Noé, podremos ver a lo lejos a Mickey y Minnie: ellos también debían ser salvados.


Lilo & Stitch [Clásico Nº42]
En Lilo y Stitch hay dos cameos que pasan bastante desapercibidos.

- En el cuarto de la hermana mayor de Lilo, podemos apreciar un póster de la película Mulán (¡ya era hora que hiciesen un cameo a una de mis películas favoritas!)


- Hay una escena que es bastante fugaz, en la que Lilo se asoma a la ventana… En ella, si nos fijamos en los juguetes que tiene en su cuarto, podremos ver a Dumbo.

Dumbo está a la izquierda en esta foto
El Planeta del Tesoro [Clásico Nº43]
En esta arriesgada cinta interestelar de Disney (del estilo de Atlantis) encontraremos a nuestro extraterrestre Disney favorito en el estante inferior a la izquierda en la foto: Stitch hecho juguete.



Si no os ha parecido suficientemente interesante o espectacular, esperad a que algún día os hablemos de los “Hidden Mickeys”… De todos modos, ya nos iréis comentando qué os han parecido estos cameos y, si sabéis de otros que no hemos incluído, no dudéis en decírnoslo.

Jerry W.
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